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Wie schnell kann sich ein Konzertsaal in eine Tanzfläche verwandeln? Beim Konzert mit Los Pitutos im Hagenhaus wurde diese Frage auf ebenso spontane wie mitreissende Weise beantwortet. Mehr als 100 Gäste erlebten einen Abend, der mit warmen Klängen begann und schliesslich das ganze Publikum zum Tanzen brachte.

Los Pitutos verbinden musikalische Welten, die auf den ersten Blick weit auseinanderliegen mögen. Die klassisch ausgebildeten Musiker aus Chile und Kolumbien mischen Bolero und Cumbia mit Einflüssen der 1970er-Jahre, Pop, Funk und vielstimmigem Gesang. Dabei entstand kein blosses Nebeneinander verschiedener Stile. Vielmehr entwickelte sich ein eigener Klang, der vertraut wirkte und zugleich immer wieder überraschte.

Akustische Saiten trafen auf Elektrobass und klare Grooves, ruhige Melodien wechselten sich mit treibenden Rhythmen ab. Kurze Breaks öffneten Raum für Improvisation, während die Musiker mit hörbarer Spielfreude aufeinander reagierten. Gerade dieses Zusammenspiel machte den Abend so unmittelbar. Man hatte nicht den Eindruck, einem festgelegten Ablauf zu folgen, sondern gemeinsam mit dem Ensemble zu erleben, wie die Musik im Moment entstand.

Auch zwischen Bühne und Publikum entwickelte sich rasch eine besondere Nähe. Der mehrstimmige Gesang lud zum Mitsummen ein, die Rhythmen wurden zunehmend unwiderstehlich, und spätestens gegen Ende hielt es kaum noch jemanden auf den Sitzen. Das ganze Publikum tanzte. Der Peter-Kaiser-Konzertsaal wurde für einen Moment zu einem offenen, lebendigen Begegnungsort, an dem die Grenze zwischen Zuhören und Mitmachen beinahe verschwand.

Vielleicht lag genau darin die schönste Erfahrung dieses Abends: Musik aus unterschiedlichen Ländern und Traditionen muss nicht erklärt werden, um Menschen miteinander zu verbinden. Manchmal genügen eine Melodie, ein gemeinsamer Rhythmus und die Bereitschaft, sich darauf einzulassen. Los Pitutos zeigten, wie unmittelbar daraus Freude, Nähe und Bewegung entstehen können.

Das Konzert fand mit freundlicher Unterstützung der Liechtensteinischen Kraftwerke statt.

Wie viele verschiedene Seiten kann eine Stimme zeigen? Beim Konzert mit der britischen Mezzosopranistin Anita Monserrat und dem Pianisten Iain Burnside wurde das Hagenhaus zu einem Ort, an dem diese Frage auf überraschend vielfältige Weise beantwortet wurde. Von Bizets «Carmen» über Mozart, Brahms und Mahler bis zu Berlioz, Korngold und Montsalvatge führte ein Programm, das weniger einer musikalischen Zeitreise als einer Reise durch unterschiedliche menschliche Stimmungen glich.

Dabei begegneten uns ganz verschiedene Frauenfiguren und Gefühlswelten. Carmen behauptet ihre Freiheit mit selbstbewusster Sinnlichkeit, Mozarts Dorabella wird von kaum zu bändigender Unruhe erfasst, während Berlioz mit Ophélie in eine dunklere, zerbrechliche Welt führt. Dazwischen stehen Lieder über Liebe, Sehnsucht, Erinnerung und Verlust. Gefühle also, die keine musikalische Vorbildung benötigen, weil wir sie aus dem eigenen Leben kennen.

Anita Monserrat gab diesen unterschiedlichen Welten eine eigene Farbe. Ihre Stimme konnte Nähe schaffen, sich zurücknehmen und im nächsten Moment den Raum mit grosser Präsenz füllen. Entscheidend war dabei nicht allein die Schönheit des Klangs. Immer wieder entstand der Eindruck, dass sie wissen wollte, was ein Text tatsächlich erzählt. Der erfahrene Liedpianist Iain Burnside war dabei weit mehr als Begleiter. Stimme und Klavier führten einen Dialog, in dem Worte, Klang und Stille gleichermassen Bedeutung erhielten.

Besonders reizvoll war, wie selbstverständlich an diesem Abend Bekanntes und weniger Vertrautes nebeneinanderstehen konnten. Die Habañera aus «Carmen» oder Rossinis «Una voce poco fa» weckten vielleicht Erinnerungen, während andere Werke neue Türen öffneten. Man musste nicht wissen, aus welcher Epoche ein Lied stammt oder wie es musikgeschichtlich einzuordnen ist. Zuhören genügte.

Vielleicht war genau das die schönste Erfahrung dieses Abends: Eine Stimme kann uns innerhalb weniger Minuten in sehr unterschiedliche Lebenswelten führen und dabei etwas ansprechen, das erstaunlich vertraut ist. Wer sich darauf einlässt, entdeckt in einem solchen Konzert nicht nur Musik. Manchmal begegnet man dabei auch einer Seite von sich selbst.

Beim Konzert mit dem Trio um den Klarinettisten David Orlowsky wurde das Hagenhaus zu einem Ort für eine musikalische Reise, die weit über das Hören hinausführte. Gemeinsam mit dem Gitarristen Daniel Stelter und dem Schlagzeuger Tommy Baldu präsentierte Orlowsky Musik aus dem Programm «Petrichor» und zeigte, wie eng Klänge, Düfte und Erinnerungen miteinander verbunden sein können.

Petrichor bezeichnet jenen unverwechselbaren Geruch, der entsteht, wenn Regen auf trockene Erde fällt. Für David Orlowsky wurde diese sinnliche Erfahrung zum Ausgangspunkt für eine Reihe von Kompositionen. Stücke wie «Lisboa», «Magnolia» oder «Marrakesh» erzählen dabei keine Geschichten im klassischen Sinn. Vielmehr öffnen sie Assoziationsräume, in denen eigene Bilder, Orte und Erinnerungen entstehen können.

Dass diese Musik so unmittelbar wirkt, hat auch mit ihrer Entstehung zu tun. Viele Stücke entwickelten die drei Musiker gemeinsam aus Melodien, Akkorden und Rhythmen. Klarinette, Gitarre und Schlagzeug begegnen sich dabei als gleichberechtigte Stimmen. So entsteht eine Musik, die sich stilistischen Grenzen entzieht und ihre besondere Spannung aus dem aufmerksamen Zusammenspiel bezieht.

Gerade darin lag der Reiz dieses Konzertabends. Man musste weder die Werke kennen noch über besonderes musikalisches Vorwissen verfügen. Es genügte, sich auf die Klänge einzulassen und zu beobachten, welche eigenen Bilder und Erinnerungen sie hervorrufen. Denn ähnlich wie ein vertrauter Duft kann Musik etwas längst Vergessenes plötzlich wieder gegenwärtig machen.

Das Konzert im Hagenhaus zeigte damit, wie persönlich ein musikalisches Erlebnis werden kann. Vielleicht liegt genau darin eine der schönsten Qualitäten solcher Abende: Man kommt, um Musik zu hören, und nimmt am Ende etwas mit, das mit dem eigenen Leben zu tun hat.

Beim jüngsten Tanzabend mit der Rowsekit Band verwandelte sich das Hagenhaus erneut in einen Ort voller Lebensfreude, Begegnungen und Bewegung. Zahlreiche Tanzbegeisterte nutzten die Gelegenheit, das Tanzparkett zu erobern und einen beschwingten Abend in geselliger Atmosphäre zu verbringen.

Mit ihrem vielseitigen Repertoire sorgte die Band für die passende musikalische Begleitung und begeisterte mit Rhythmen, die zum Tanzen einluden. Vom ersten bis zum letzten Stück war die Freude am gemeinsamen Erleben spürbar. Ob erfahrene Tänzerinnen und Tänzer oder spontane Gäste – die Tanzfläche blieb den ganzen Abend über belebt.

Gerade in einer Zeit, in der Gelegenheiten zum Tanzen mit Live Musik immer seltener werden, bieten solche Abende einen besonderen kulturellen und sozialen Mehrwert. Sie schaffen Raum für Begegnungen, fördern Gemeinschaft und verbinden Menschen über Generationen hinweg.

Der Tanzabend war geprägt von Leichtigkeit, Schwung und vielen strahlenden Gesichtern – ein Abend, der noch lange in Erinnerung bleiben wird.

Im Gespräch mit der Moderatorin Alexa Ritter widmete sich der Philosoph Wilhelm Schmid der Frage, was Glück im Leben eigentlich bedeutet. Der bekannte Vertreter der Philosophie der Lebenskunst stellte dabei gängige Vorstellungen von dauerhaftem Glück infrage und plädierte für einen umfassenderen Blick auf das menschliche Leben.

Im Zentrum des Abends stand die Idee des „Glücks der Fülle“: die Fähigkeit, nicht nur die schönen und erfolgreichen Momente anzunehmen, sondern auch Krisen, Enttäuschungen und schwierige Erfahrungen als Teil eines erfüllten Lebens zu verstehen. Schmid zeigte auf, dass Sinn oft nachhaltiger trägt als die Suche nach ständigem Wohlbefinden und dass Lebenskunst bedeutet, mit den Widersprüchen des Lebens umgehen zu lernen.

Besonders bereichernd war die aktive Einbindung des Publikums. Die Gäste waren eingeladen, über ihre eigenen Vorstellungen von Glück nachzudenken und diese in die Diskussion einzubringen. So entstand ein lebendiger Austausch, der philosophische Gedanken mit persönlichen Erfahrungen verband.

Der Abend bot nicht nur spannende Denkanstöße, sondern auch die Gelegenheit, zentrale Fragen des Lebens gemeinsam zu reflektieren. Das große Interesse des Publikums und die intensive Diskussion machten deutlich, wie aktuell und relevant Schmids Gedanken zur Lebenskunst und zum Glück auch heute sind.

Beim Klavierabend mit Seth Schultheis, dem Preisträger der Telekom Beethoven Competition Bonn 2025, erlebte das Publikum einen Abend von außergewöhnlicher stilistischer Vielfalt und musikalischer Reife. Das Programm verband Werke von Timo Andres, Debussy, Beethoven, Chopin und Schumann zu einem spannungsvollen dramaturgischen Bogen.

Bereits mit Timo Andres’ Fiddlehead eröffnete Schultheis den Abend mit großer klanglicher Sensibilität und feinem Gespür für moderne Klangfarben. In Debussys ausgewählten Préludes überzeugte er mit Transparenz, Nuancierung und atmosphärischer Dichte. Beethovens Variationen op. 34 gestaltete er mit Klarheit und struktureller Präzision, bevor die beiden Barcarollen von Ned Rorem und Chopin lyrische Ruhe und große Ausdruckskraft entfalten konnten.

Im zweiten Teil bildeten Schumanns Davidsbündlertänze den emotionalen Mittelpunkt des Abends. Mit großer Natürlichkeit und erzählerischer Tiefe ließ Seth Schultheis die wechselnden Charaktere und Stimmungen des Zyklus lebendig werden.

So entstand ein Konzertabend voller Kontraste, poetischer Momente und musikalischer Intensität.

Beim Konzert mit Andreas Ottensamer und José Gallardo erlebte das Publikum einen Abend voller stilistischer Vielfalt und klanglicher Eleganz. Das Programm führte von Mendelssohns lyrischen Liedern ohne Worte über Schumanns innige Romanzen bis hin zu Piazzollas Geschichte des Tangos und Gershwins jazznahen Preludes.

Andreas Ottensamer brachte die Klarinette mit großer Ausdruckskraft, Flexibilität und leuchtendem Ton zur Geltung. Als international profilierter Klarinettist, geprägt von großer Orchestertradition und kammermusikalischer Offenheit, verband er feine Klangkultur mit spontaner Lebendigkeit. José Gallardo gestaltete den Klavierpart mit Sensibilität, Energie und klarer Präsenz.

Besonders reizvoll war die Verbindung sehr unterschiedlicher Klangwelten: romantische Innigkeit, französische Schlichtheit, Tango, Blues und Jazz standen nicht nebeneinander, sondern formten einen lebendigen musikalischen Bogen.

So entstand ein Konzertabend voller Farben, Charaktere und musikalischer Beweglichkeit.

Beim Konzert mit Elli Choi und Anna Han erlebte das Publikum einen Abend, der durch Virtuosität, stilistische Vielfalt und große musikalische Präsenz überzeugte. Das Programm spannte den Bogen von Schubert und Beethoven bis hin zu Strawinski und Wieniawski und eröffnete dabei unterschiedliche klangliche Perspektiven.

Bereits in Schuberts Rondo brillante und Beethovens Sonate Nr. 10 zeigte Elli Choi ihre beeindruckende technische Souveränität und Ausdruckskraft. Die junge Geigerin, die sich international rasant etabliert, überzeugte mit klarem Klang, großer Präsenz und einem feinen Gespür für musikalische Gestaltung. Anna Han gestaltete die Klavierpartien mit Sensibilität und klanglicher Tiefe und erwies sich als gleichwertige Partnerin.

Ein besonderes Highlight des Abends war Strawinskis Divertimento, das für viele eine spannende Entdeckung darstellte. Die rhythmische Prägnanz und die farbenreiche Klangsprache verliehen dem Werk eine besondere Frische und Energie.

Mit Wieniawskis virtuoser Polonaise de concert fand der Abend einen brillanten Abschluss. Das Publikum erlebte ein Konzert voller Energie, Entdeckungsfreude und musikalischer Intensität.

Beim Klavierabend mit Yulianna Avdeeva entfaltete sich ein Programm von außergewöhnlicher Spannweite, das von Bach bis Chopin reichte und dabei verschiedene Facetten pianistischen Ausdrucks eindrucksvoll vereinte.

Den Auftakt bildete Bachs Chromatische Fantasie und Fuge, in der Avdeeva mit klanglicher Klarheit und struktureller Präzision überzeugte. Es folgten mehrere Werke von Liszt, die mit ihrer düsteren, experimentellen Klangsprache einen spannungsvollen Kontrast setzten. Hier zeigte die Pianistin ihre enorme Virtuosität ebenso wie ihre Fähigkeit, extreme Ausdrucksräume differenziert zu gestalten.

Im zweiten Teil des Abends widmete sich Avdeeva Chopins 24 Préludes op. 28. Mit großer musikalischer Geschlossenheit und feinem Gespür für Charakter und Atmosphäre formte sie den Zyklus zu einem eindringlichen Ganzen.

Die international gefeierte Pianistin, die mit dem Gewinn des Chopin Wettbewerbs 2010 weltweit bekannt wurde, beeindruckte durch ein Spiel, das Kraft, Sensibilität und interpretatorische Tiefe vereint.

So entstand ein Konzertabend von großer Intensität, klanglicher Vielfalt und künstlerischer Konsequenz.

Beim Konzert am 16. April entfalteten die Geigerin Soyoung Yoon und der Pianist Marcin Sikorski unter dem Titel „Mythen“ ein Programm von außergewöhnlicher dramaturgischer Spannweite. Werke von Kreisler, Weinberg, Szymanowski und Debussy verbanden unterschiedliche musikalische Welten zu einem vielschichtigen Hörerlebnis.

Bereits im virtuosen Auftakt mit Kreislers Präludium und Allegro zeigte Soyoung Yoon ihre große klangliche Präsenz, technische Souveränität und stilistische Feinheit. Die international renommierte Geigerin, die in Seoul geboren wurde und durch bedeutende Wettbewerbserfolge früh auf sich aufmerksam machte, überzeugte im weiteren Verlauf mit einem Spiel, das Präzision und Ausdruckskraft eindrucksvoll verband. Marcin Sikorski gestaltete die Klavierpartien mit großer Sensibilität und musikalischer Klarheit.

Besonders eindrucksvoll war die unmittelbare Ansprache des Publikums: Mit kurzen musikalischen Einführungen zu Weinberg und Szymanowski eröffneten die Künstler einen direkten Zugang zu den Werken und schärften das Hören für deren besondere Klangsprache. So entstand ein Konzertabend, der durch Nähe, Tiefe und klangliche Vielfalt nachhaltig in Erinnerung bleibt.

Beim Konzert „Zeitlos“ am 26. März präsentierte das Kölner Orgeljazz Trio Neuzeit ein Programm, das klassische Meisterwerke in neuem Klanggewand erlebbar machte. Werke von Tschaikowsky, Satie, Grieg, Schostakowitsch, Offenbach, Paganini, Rachmaninoff und Bach wurden mit großer Kreativität und stilistischer Offenheit interpretiert.

Das Trio überzeugte mit einem unverwechselbaren Sound zwischen Jazz, Klassik und Improvisation. Bekannte Melodien erschienen in überraschenden Arrangements, die sowohl ihre ursprüngliche Ausdruckskraft bewahrten als auch neue klangliche Perspektiven eröffneten. Besonders eindrucksvoll war das Zusammenspiel von Orgel, Kontrabass und Schlagzeug, das eine große klangliche Bandbreite von fein nuancierten Passagen bis zu kraftvollen Grooves ermöglichte.

Mit „Zeitlos“ gelang es den Musikern, unterschiedliche Hörgewohnheiten zu verbinden und ein Konzerterlebnis zu schaffen, das gleichermaßen zugänglich wie künstlerisch anspruchsvoll war.

Beim Konzert mit Kevin Zhu und Benjamin Hochman erlebte das Publikum ein Programm, das Virtuosität und erzählerische Tiefe auf eindrucksvolle Weise verband. Mit den Ungarischen Tänzen von Brahms in der Bearbeitung von Joseph Joachim eröffnete das Duo den Abend voller Energie, rhythmischer Prägnanz und klanglicher Farbigkeit.

In Griegs Violinsonate Nr. 3 in c Moll entfaltete sich ein weiter Spannungsbogen zwischen lyrischer Innigkeit und leidenschaftlicher Dramatik. Besonders im zweiten Satz überzeugte das Zusammenspiel durch feine Abstimmung und große Ausdruckskraft.

Die Violinsonate von Richard Strauss bildete den krönenden Abschluss. Hier zeigten beide Künstler ihre ganze Bandbreite an Klang und Ausdruck, von sanglicher Wärme bis zu brillanter Virtuosität. Kevin Zhu beeindruckte mit technischer Souveränität und erzählerischer Intensität, während Benjamin Hochman als sensibler und zugleich kraftvoller Partner am Klavier überzeugte.

Das Publikum erlebte einen Abend voller Kontraste, Ausdruckskraft und musikalischer Dialoge.

Am 12. März 2026 war das Schumann Quartett mit dem Programm HEIMAT zu Gast. Auf dem Programm standen Mozarts Streichquartett Nr. 20 in D Dur KV 499, das sogenannte Hoffmeister Quartett, sowie Dvořáks Streichquartett Nr. 12 in F Dur op. 96, das Amerikanische.

Das Ensemble begeisterte mit einer Interpretation, die von Präzision, klanglicher Tiefe und großer Unmittelbarkeit geprägt war. Besonders eindrucksvoll war, wie selbstverständlich das Quartett musikalische Spannung, feine Abstimmung und lebendige Kommunikation miteinander verband. So entstand ein Konzerterlebnis, das sowohl die Transparenz von Mozarts Klangsprache als auch die Wärme und Weite von Dvořáks Musik eindrucksvoll zur Geltung brachte.

Das Publikum erlebte einen Abend voller Intensität, Offenheit und kammermusikalischer Energie.

Piano und Sand fanden sich am 19.02.2926 im Hagenhaus zu einer Begegnung, die fein und unmittelbar berührte. Die poetische Spannung zwischen Klang und Vergänglichkeit zog sich wie ein leiser roter Faden durch das gesamte Programm. Die Sandbilder von Anna Vidyaykina entstanden im Moment, veränderten sich mit jedem Atemzug und öffneten einen visuellen Raum, in dem sich die vertrauten Werke des Klavierrepertoires neu erschlossen.

An der Seite dieser wandelbaren Bilder führte Sabina Hasanova mit sicherem Ausdruck durch ihr Programm New Moon. Ihre Auswahl aus den Werken von Debussy, Rachmaninoff, Beethoven, Chopin, Ravel und Boulanger liess das Publikum in jene Spannungsfelder eintauchen, in denen sich der Mond seit jeher als stiller Begleiter menschlicher Empfindungen zeigt. Die Klänge entfalteten sich im Raum, während der Sand in Annas Händen zu einer zweiten Erzählstimme wurde.

Gerade in dieser Kombination lag der besondere Reiz des Abends. Musik, die nur im Augenblick existiert, und Bilder, die sich im selben Moment wieder verflüchtigen, erinnerten daran, wie reich die kurzen Momente sein können, die wir mit allen Sinnen wahrnehmen. Wer sich auf diese Verbindung einliess, erlebte einen Konzertabend, der nachklang wie ein vertrauter Gedanke, der erst im Rückblick seine Tiefe entfaltet.

Am Donnerstag, 12. Februar 2026, war im Hagenhaus in Nendeln ein Abend zu erleben, der dem Titel Innigkeit in jeder Hinsicht gerecht wurde. Daniel Müller Schott am Violoncello und Annika Treutler am Klavier gestalteten das Konzert als intensiven Dialog, in dem sich große Klangbögen und feinste Nuancen selbstverständlich ergänzten.

Zu Beginn öffneten Schumanns Fantasiestücke op. 73 einen sehr persönlichen Raum. Zartheit, Beweglichkeit und aufblitzende Energie wechselten sich organisch ab, getragen von einem Spiel, das jede Wendung wie eine kurze Erzählung wirken ließ. Danach führte Prokofjews Cellosonate op. 119 in eine deutlich weitere dramatische Spannweite. Zwischen dunkler Ruhe und markanter Klarheit entstand eine Spannung, die sich aus Präzision und kluger Gestaltung des musikalischen Atems speiste.

Nach der Pause stand Brahms’ zweite Cellosonate op. 99 im Zentrum. Hier verdichtete sich alles zu Wärme, Leidenschaft und architektonischer Größe. Die Musik wirkte zugleich kraftvoll und bis ins Detail ausgehört, mit einem Zusammenspiel, das die Energie der schnellen Sätze ebenso trug wie die innige Tiefe der ruhigen Momente.

Ein Konzertabend auf höchstem Niveau, voller Intensität und mit einem Nachklang, der blieb.

Der 5.2.26 stand ganz im Zeichen musikalischer Offenheit und klanglicher Vielfalt. Mit dem Preda World Collective erlebte das Publikum ein Ensemble, das mühelos Brücken zwischen Tradition und Gegenwart schlägt.

Im Zentrum des Abends hielt der Cimbalom Virtuose Marius Preda die Fäden zusammen. Geprägt durch seine Studien in Den Haag und internationale Kooperationen formte er einen dichten, zugleich beweglichen Klangraum. Am Klavier überzeugte Eduard Preda, dessen Spiel und Kompositionen eine klare Stimme der jungen Generation erkennen liessen.

Das Fundament des Ensembles bildete Robertino Mihai mit warmem Kontrabassklang, während Maxim Zettel mit feinem Gespür für brasilianische und Afro Latin Rhythmen für Energie und Tiefe sorgte. Als Gast erweiterte der Gitarrist Ratko Zjaca den Klangraum des Ensembles um weitere Farben.

Eigene Kompositionen, klare Melodien und viel Raum für Improvisation prägten den Abend. Der Dialog der Stimmen, getragen von Virtuosität und gegenseitigem Zuhören, machte die Musik lebendig und spannte einen weiten Bogen zwischen Folklore, Jazz und zeitgenössischem Ausdruck.

Am 22. Januar 2026 war die junge Fado Szene aus Lissabon zu Gast im Hagenhaus in Nendeln. Im Zentrum des Abends stand ein Ensemble um den Gitarristen, Komponisten und Produzenten Diogo de Castro, der die Tradition des Fado behutsam öffnet und in neue klangliche Räume führt.

Gemeinsam mit Tomás Pauseiro an der Portugiesischen Gitarre, der Sängerin Carolina Varela Ribeiro, Manuel da Silva am Akustikbass und dem Geiger João da Silva entstand ein dichtes, atmosphärisches Klangbild.

Das Programm erzählte vom Fado als Musik der Sehnsucht, der Stadt und der Nacht. Eigenkompositionen standen neben klassischen Formen, improvisierte Übergänge verbanden Strophen und Refrains. Die Portugiesische Gitarre bildete den funkelnden Kern, Bass und klassische Gitarre schufen Weite und Tiefe. Ungewöhnlich und prägend war die Violine als zweite Erzählerin, die der Saudade eine neue Bewegung verlieh.

Mit einem hochkarätigen Konzert eröffnete das Cuarteto Casals am 15. Januar die Reihe Donnerstag im Hagenhaus in Nendeln. Das international renommierte Streichquartett, 1997 in Madrid gegründet, zählt seit über 25 Jahren zu den führenden Ensembles seiner Gattung.

Auf dem Programm standen Joaquín Turinas einsätziges Streichquartett La Oración del Torero op. 34 sowie Franz Schuberts letztes Streichquartett in G Dur D 887. Mit großer klanglicher Geschlossenheit, technischer Souveränität und tiefem Verständnis für die musikalische Struktur gestaltete das Quartett einen Abend, der die stilistische Bandbreite und Ausdruckskraft der Gattung eindrucksvoll sichtbar machte.

Das Cuarteto Casals ist in Barcelona beheimatet und international regelmäßig in den wichtigsten Konzertsälen und bei bedeutenden Festivals zu Gast. Seine Interpretationen gelten als Maßstab für kammermusikalische Präzision und künstlerische Tiefe.